Colores específicos y luces y sombras (III) – El color de la carne (I)

Alguien me pidió que escribiera sobre cómo mezclar el color de la carne…hay mucho escrito sobre esto, pero casi todo en inglés.

Bien, lo abordaremos, a pesar de que estamos intentando aprender a no negociar con nuestro hemisferio izquierdo del cerebro -hay que dejar que actúe el derecho, el que no pone nombres a las cosas, el que no dice “eso es la piel de un brazo” sino “esa forma alargada tiene un matiz rosado cálido como tono intermedio, y yo se cómo mezclar ese color”.

Además…mirad este cuadro detenidamente:

¿podrías decir que existe UN color carne?

(el éxito de un retrato radica más en el valor que en el color y, en general, para un cuadro, la importancia de los factores por orden descendente es: Forma, Valor, Bordes y, por último, Color)

En cualquier caso quizás algunos os llevéis una desilusión. Quien espere una receta directa para pintar el color de la piel es que aún no ha entendido nada –no es malo, todo esto es muy difícil pues es cosa nada menos que de artistas profesionales, y a los demás nos cuesta entender lo que otros, claro, tardaron como mínimo 5 años en aprender en la Universidad, y toda una vida en desarrollar. Pero a estas alturas ya deberías comprender que, al menos, necesitas unos cinco tonos entre luces, sombras y tonos medios. Como, aún no siendo profesionales nos encanta esto de pintar –qué manía la nuestra ¿eh?-, vamos al menos a basarnos en lo que nos cuentan grandes artistas. La exposición del estudio que voy a presentar es un trabajo bastante minucioso de búsqueda, lectura, discernimiento-eliminación-clasificación y maquetación, pero ha merecido la pena y os lo presento íntegro en su totalidad, completamente sintetizado. Espero que os ayude a progresar. Por supuesto recomiendo leerlo con vuestra paleta delante y unas hojas enteladas para exponer las mezclas con objeto de guardarlas de guía futura, si no, se olvidan. ¡Ánimo y suerte!

Bien, hay muchos estilos para mezclar ese color; no es lo mismo un cuadro de Velázquez, (Las Meninas) que otro de Delacroix (La muerte de Sardanápalo) o Renoir (Desnudo de Gabrielle).

   

Qué nos cuenta Parramón (Grupo Editorial Norma) en su libro ‘Curso Práctico de Pintura Artística: Mezclar Colores’ sobre los tres cuadros mencionados anteriormente -aunque contiene algunos errores, que corrijo aquí.

Vamos con Velázquez, pintor de pintores, según descubrieron los impresionistas…

VELÁZQUEZ:

Mezcla 145 y 145A (ver figuras): es la luz más alta del fragmento, en la frente de la niña (se indica en la figura inferior del retrato de Velázquez de la Infanta Dña. Margarita). Rosáceo claro, confundiéndose con el brillo del pelo. Un color algo empastado con mucho Blanco, un poco de Siena Tostada y una pizca de Bermellón (bajo mi punto de vista a esta mezcla le falta luz, pues el siena es algo apagado y, aunque se aviva con blanco, no llega al nivel de esa mezcla –ver foto). Yo la he experimentado y, agregando algo de Ocre, se obtiene la luz 145 de la foto. Prueba a mezclarla tú.

Mezcla 146 y 146A: sombras medias. Sombra ligera y clara de la nariz, conservando la dominante del Blanco con Siena Tostada, como antes, y añadiendo pequeñas cantidades de Sombra Natural y Bermellón (para mi también falta un poco de Ocre). La Tierra Sombra agrisa, quiebra el matiz cálido de las carnaciones más claras, por su fría tendencia verdosa.

Mezcla 147 y 147A: sombras oscuras. La sombra caliente en la parte inferior del labio se compone de Blanco y Siena Tostada en partes iguales y dos pequeñas cantidades de Amarillo y Bermellón (para mi debe llevar poco Blanco con Siena, para matizar la base del color piel y añadirle una mezcla de Rojo Cadmio con Ocre, o sea, un naranja carne algo apagado por el azul del Ocre, ya que la mezcla del libro es un naranja vivo, que no pinta nada en la sombra).

…colocando las mezclas en el cuadro…

(si te sale esto, sin más, te llamarán del Prado…inténtalo)

DELACROIX:

Mezcla 149 y 149A: máxima luz. Una buena cantidad de Blanco con algo de Bermellón, una porción ligeramente superior de Amarillo y algo de Ocre. Sale algo parecido al Amarillo Nápoles, un amarillo cálido, sin la acidez de otros.

Mezcla 150 y 150A: sombra intensa en la espalda. Mucho Blanco con Tierra Sombra y Siena Tostada en igual cantidad, algo menos de Amarillo y una puntita de Bermellón. Sale un ocre-siena oscuro de tendencia cálida, sólido y denso (a mi me sale con algo más de Amarillo y menos de Sombra y Blanco –lo mejor es que pruebes)

Mezcla 151 y 151A: media tinta del glúteo y del muslo, más rosada. Una base de Siena Tostada, con proporciones decrecientes de Blanco, Bermellón y Amarillo (me sale con cantidades similares de Blanco, Siena y Amarillo junto con una pizca de Rojo). Da un rosado cálido, rojizo, que contrasta con el amarillento de las zonas más luminosas y da consistencia al tono carne.

A ver si te sale algo parecido a esto…

RENOIR:

Mezcla 153 y 153A: sombra reflejada en la base del cuello, de un gris azulado. Una base de Blanco con pequeñas proporciones de Carmín, Bermellón y Ocre y algo más de Azul Ultramar Claro. Es un malva muy rebajado, de tendencia rojiza, que en Renoir vira hacia el azul o hacia el verde.

Mezcla 154 y 154A: tono medio, es una variante del anterior, incluso con ligera participación del Azul Ultramar y del Ocre (no indicados en la figura por error). Es ligeramente más cálido que el anterior (yo lo obtuve con Blanco, Rojo, Ocre y Ultramar, tal cual viene en la figura –algo más de Ocre- y salió más o menos bien)

Mezcla 155 y 155A: color propio de la carne, sin sombras ni reflejos, ligeramente más cálido, con tendencia más ocre. Mezcla un poco de Blanco con Ocre, añade un poco de Amarillo y neutraliza la tendencia cálida con una pizca de Azul Ultramar (esta figura sí que no tiene nada que ver con lo dicho –sin embrago coincide más con mi mezcla, y salió parecido: base de Blanco con algo de Ocre y unas pizcas de Rojo y Ultramar)

…¿deseas intentarlo? Cuidado con Renoir que te complica la vida…(y luego hay que rehacerse del bajón)

Os dejo una muestra de mis mezclas, con proporciones por tamaños:

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Sin embargo, las ideas parecen hasta ahora algo desordenadas, no forman un sistema por así decirlo. Queremos una paleta al menos, si es posible, para comprender en su ordenamiento cómo se afronta un retrato o una figura humana, qué leyes o principios se esconden tras ella.

John Howard Sanden ha establecido un sistema de color para retratos llamado PROMIX, basado en 3 Luces “LIGHTS”, 2 Medios Tonos “HALFTONES” y 2 Sombras “DARKS”, junto con los Neutros “NEUTRALS” –que en realidad es la escala de grises que él numera en orden inverso al establecido por nosotros, o sea, 1-Blanco y el 9-Negro, de los que pone en su paleta 3 de ellos (3, 5, 7 –junto con el 9 que es el Negro) pues el resto se obtienen mezclando 2 a 2 adyacentes, como recordaréis (el 4 mezclando el 3 y el 5, etc.)  -como la mezcla de Blanco y Negro Marfil es azulada (fría), suele calentarse con un poco de Amarillo Ocre, apenas un toque, quedando neutralizada su tendencia…

Dice entonces que la mezcla básica para retratos es la que él llama “Velázquez Flesh Tone” (Tono carne –o piel- de Velázquez): mucho Blanco Titanio, un poco de Amarillo Ocre y una pizca de Rojo de Cadmio Claro. Este tono es para las luces y lo llama LIGHT 1 –mézclala y ponla en la casilla correspondiente, LIGHT 1, según las cartas que te presento y que luego explicaré.

         

LIGHTS                         HALFTONES                         DARKS

Aún dentro de las luces, el segundo tono más apagado resultaría añadiendo a la mezcla básica una pizca de Azul Cerulean –LIGHT 2-, agrisándolo ligeramente, pues la mezcla base es un naranja tenue, luminoso y cálido –complementario del cerulean, y la tercera luz más apagada se agrisa un poco más con otra pizca de Azul Cerulean sobre el tono anterior –LIGHT 3.

…mostraremos 3 tonos: a la izquierda, espesado; en el centro, una capa fina; a la derecha, matizado con blanco…

LIGHT 1: es el color de las luces en la piel; puedes mezclar este color a partir del Blanco, a continuación añadir un poco de Amarillo Ocre y un toque de Rojo de Cadmio Claro.

 

LIGHT 2: es el color BASE; es, en esencia, un naranja (amarillo+rojo) ligeramente atenuado con su complementario, el azul de tinte ligeramente verdoso. Añádase un poco de Azul Cerúleo al LIGHT 1.

LIGHT 3: es una versión ligeramente más oscura y rojiza del color Base. Añadir al LIGHT 2 un poco de Rojo Cadmio Claro y una pizca de Cerúleo.

 

Para los tonos medios, se añade a la mezcla básica Velázquez un poco de Viridian (enfriando y apagando la cálida mezcla base) –HALFTONE 1-, dando un tono medio frío gris oliva muy útil para las áreas que están en recesión desde el primer plano hacia el fondo, y el segundo semitono HALFTONE 2 es el cálido, que se usa donde las áreas de luz y sombra se confunden, y se obtiene añadiendo a la mezcla básica (no a la anterior) a partes más o menos iguales un poco de Verde Óxido Cromo y otro poco de Naranja de Cadmio.

HALFTONE 1: es el medio-tono frío para los planos que se alejan. Se usa bastante Blanco, con un toque de Amarillo Ocre y Rojo Cadmio Claro (los colores básicos de la piel). Se enfría y atenúa la mezcla con algo de Viridian (un complementario indirecto del lado frío)

HALFTONE 2: es el medio-tono cálido donde la luz y la sombra ‘chocan’. Comencemos desde el Blanco, con Ocre y algo de Rojo Cadmio. Se mezcla un toque de Verde Óxido Cromo y Naranja de Cadmio, tentando lo que vemos.

Finalmente, para las sombras, ya no pueden intervenir las luces, o sea, la mezcla básica, así que pondremos una mezcla de burnt siena, viridian y cadmium orange; para la primera, DARK 1, una base de Siena Tostada a la que agregamos casi lo mismo de Viridian (semicancelándose ambos cuasi-complementarios, generando un rico y sutil marrón oscuro) y añadiendo algo de Naranja de Cadmio para hacerlo más cálido y vivo. Para la segunda sombra –DARK 2-, la más oscura, mezclamos sobre la anterior más Siena Tostada y más Viridian, oscureciéndola, y una pizca de Naranja de Cadmio, para que no pierda intensidad pero quede más fría y oscura que la anterior.

DARK 1: Siena Tostada y Viridian, con un poco más de verde. Es muy neutral (colores casi opuestos de la rueda). Se calienta y aclara un poco con un toque de Naranja de Cadmio. Es la Base de las sombras y color Base en pieles negras.

DARK 2: Añadir al DARK 1 más Siena Tostada y Viridian, con algo menos de Naranja, quedando más fría y oscura la sombra.

 

Toda esta paleta se comparte con los 3 neutros acromáticos comentados – NEUTRAL 3, NEUTRAL 5 y NEUTRAL 7-, que intervienen directamente en las mezclas que mostraremos a continuación y que, además, permiten reproducir la escala de grises de 9 tonos. JHS utiliza la escala numeral invertida: 1 Claro   9 Oscuro. Esto es un poco indiferente. Se trata de obtener una escala correcta de 9 tonos neutros a base de Blanco, Negro y un toque de Amarillo Ocre.

¿Y cómo se utilizan todos estos tonos? ¿Se ponen directamente y ya está?

A veces sí, cuando procede, pero en general necesitan mezclarse entre ellos y con el resto de colores de la paleta (básicamente intervienen los mismos que ya lo han hecho más el Verde Óxido Cromo, la Sombra Tostada y el Azul Ultramarino). Os pongo aquí todos los esquemas desarrollados –esta joya es muy difícil de obtener, así que estamos de suerte-. La persona que lo ha blogueado –yo llevaba mucho tiempo buscando los esquemas de mezclas y era imposible conseguirlos- ha intentado realizar las mezclas con escaso éxito (no es que estén mal del todo, pero no parecen bien ajustadas según reconoce ella que posee los originales que compró). Como no tengo otra referencia, al menos hasta que yo mismo realice las mezclas, he rellenado los cuadraditos con el color que le ha salido a ella, si bien sólo debe servirnos de guía. Lo verdaderamente importante es que los colores que intervienen en la mezcla vienen enunciados debajo de cada casilla (esto es lo que vale oro en paño para mi) permitiéndonos ver la intención de la mezcla y deducir su resultado final, al margen del color que aparece en el cuadro; o sea, que intentemos ajustar el color que aparece en el escaque correspondiente por la filosofía de los colores que te dicta –si estamos agrisando el tono de partida, el resultado no puede ser más intenso que el original y, si estamos aclarando, no puede ser más oscuro. Lo suyo es completar estas cartas y guardarlas como cartas para retrato. Para verlas en grande haz doble-click sobre ellas.

Para los que no sepáis ingles os diré que lo que hace es desarrollar cómo se matizan cada una de estas luces, sombras y tonos medios desde su tono (el que hemos obtenido antes) que lo pone en una casilla grande, como mezcla base, a partir de la cual, mezclándole a esta base otros tonos, obtiene una completísima gama de colores para retrato.

Para cada uno de ellos, nos proporciona un camino para (lo enuncio por el orden en que viene en las cartas traducido al español):

Para calentar, añadir (To warm, add)

Para enfriar, añadir (To cool, add)

Para iluminar, añadir (To lighten, add)

Para oscurecer, añadir (To darken, add)

Para aumentar la intensidad, añadir (To increase intensity, add)

Para disminuir la intensidad, añadir (To decrease intensity, add)

¿Qué necesitamos para aprender a pintar un retrato como J. H. Sanden?

1. En primer lugar, es necesario conocer el método de mezcla de colores utilizados por el artista. El método no es muy diferente del de Frank Reilly, ya que se basa en el sistema Munsell. La innovación que introduce este artista es la de aplicar el método Munsell para colores de piel.
2. En segundo lugar, tenemos que aprender a identificar los planos faciales y asignar un color a cada uno de ellos. El artista  divide esencialmente la cabeza en tres partes: alta, media y baja. La parte superior es la parte de la frente. Es un área más amarillenta y sin zonas rosadas. La parte central es la que contiene los ojos, la nariz y las orejas. En esta zona, las mejillas y la nariz son más rojizas. La parte inferior es la parte de la boca y la barbilla. Es un área con tonos más fríos. Estas tres áreas tienen cada una un tono de luz, medio y de sombra, dependiendo de los planos faciales y la dirección de la luz. Identificarlos es esencial para poder pintar un retrato como John Howard Sanden.

Aunque esta entrada es anterior en fecha, he completado algunas cosas desde la web:

http://www.drawandpaint.net/basic-palette-tmix-flesh-tones-by-john-howard-sanden/

Espero que os guste este regalo que tanto me ha costado presentar aquí; parece un método bastante desarrollado e interesante, al menos para intentarlo, ya que el autor está considerado uno de los grandes retratistas de EEUU. Por supuesto, os aconsejo adquirirlo de forma completa en su página web:

http://www.portraitinstitute.com/promix.htm

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Vamos ahora con un interesante tutorial de una página web que está en inglés. Primero os remito a ella, para no pisar derechos:

http://www.paint-sculpt.com/tutorials/skintone_pallet/skintone-pallet-page-1.html

Pero para los desafortunados que no sabéis inglés -casi todo lo publicado en internet está en inglés, y más aún si es gratis; se ve que los españoles somos menos generosos y cobramos por cualquier cosa-, me he tomado la molestia de traducirlo, para vuestro disfrute (no es muy largo, gracias a Dios); vamos con ello:

La Paleta para pintar Figuras:

La mayoría de las artistas que pintan figuras tienen su propia y única paleta. Por lo general, se trata de una paleta que se ha desarrollado durante años y siempre está en constante cambio, pero todo el mundo tiene que empezar por alguna parte. Uno de los grandes obstáculos a superar al empezar a pintar es la selección de la paleta. Este tutorial es perfecto para cualquiera que se inicie en la pintura de figuras, sin embargo, si ya eres un pintor con experiencia al que le gustaría probar algo nuevo este tutorial te ayudará también. Al comienzo, la mejor manera de aclimatarse a la pintura es la de limitar tus opciones. La paleta de este tutorial se considera una paleta limitada, sin embargo hay muy pocas cosas que esta paleta no pueda lograr. Pintar piel caucásica consiste en una mezcla de rojos y amarillos que se neutralizan con grises. Para nuestra paleta vamos a mezclar un tono de piel “Base”, y luego un tono de piel de color rojo y un tono de piel amarilla. Para aliviar la vibración de estos colores en determinados lugares vamos a utilizar una gradación de grises. Por último vamos a obtener nuestros oscuros mezclando nuestro tono de piel Base con Sombra Natural y Sombra Tostada.

La Mezcla del Tono de Piel Base :

Se considera el tono Base de la piel como el tono medio de la piel de su figura. Este color y todas estas tres gamas de colores comentados que se mezclan variarán dependiendo del tono natural de la piel del sujeto. Comienza con una mancha de Ocre amarillo y añade Bermellón en pequeñas cantidades. Recuerda que el Bermellón es bastante fuerte por lo que en esta mezcla vas a utilizar mucho más amarillo Ocre. A continuación se va a cancelar ese color naranja por la adición de su complementario Azul Ultramarino; si tu color vira demasiado al gris o marrón es que haa usado demasiado Ultramar. El uso de Ultramar es para apagar la intensidad -no para destruir el color por completo. Después de la adición de Azul Ultramarino se mezcla una graduación de este color con una mezcla de Blanco de Titanio y Blanco de Plomo (50/50 mezcla). El Blanco de Plomo (Flake) retiene el color mucho mejor que el Blanco de Titanio. Éste último provoca que los colores sean más como tiza, sobre todo en los inexpertos. Esta gradación será tu gradación de tono base.
A continuación mezclaremos nuestras gradaciones de rojo y amarillo.

 

La Mezcla de Tonos de piel Rojo y Amarillo

Tu tono de piel de color rojo y amarillo se mezclan igual que tu tono de piel Base. Una mezcla de Bermellón y Ocre amarillo cancelados (rebajados) ligeramente con Azul Ultramar. Cuando se mezcla el tono de rojo usa más Bermellón y para tu tono de color amarillo use más Ocre. Si después de la adición de Ultramar tu color es demasiado blando basta con añadir más Bermellón o amarillo Ocre, respectivamente. Finalmente con una mezcla de Blanco de Titanio y de Plomo mezcla su gradación.

 

La Mezcla de Tonos Grises:

La mayoría de personas que empiezan dicen «gris, para qué diablos lo quiero?» Créeme, necesitas gris. Sin grises tu figura se ve muy encendida –como si la persona que estás pintando hubiera comido demasiadas zanahorias. Es raro que uno quiera utilizar un gris fuerte en el cuadro (aunque a veces se puede), pero lo utilizarás un poco con todos tus colores. Para mezclar un buen gris neutro usarás Sombra natural con un poco de Verde Vegiga –Sap Green- en el mismo (sólo un toque). Una vez más, sugiero utilizar una mezcla de Blanco de Plomo y Titanio para mezclar tus grises pero no es tan importante aquí como en tus otros tonos de carne. Otra cosa que vale la pena señalar aquí es: nunca debes usar ningún tipo de negro cuando trabajes en tus pinturas. Negros (como el Negro Lámpara) matan todos los colores y hacen que tus mezclas parezcan embarradas o sucias. Desecha todos tus negros cuando pintes figuras (o cualquier cosa con este motivo), ¡confía en mí!

La Mezcla de Tonos Oscuros

Al mezclar los tonos oscuros a mi me gusta usar dos variantes, un juego oscurecido con Sombra Natural y el otro con Sombra Quemada. Selecciona un valor medio de tu tono Base y mezcla una gradación usando Sombra Quemada; luego haz lo mismo con Sombra Natural. Si tu figura tiene un color muy rojo o rosado en su piel, es posible que desees utilizar tu tono de piel de color rojo en lugar del tono Base para este paso.

La paleta final

Y esto es todo, ya estás listo para lanzarte y empezar a pintar. Recuerda que tu paleta es una creación muy personal y no hay una sóla manera de hacerlo. Esta paleta pretende ser un punto de partida para ti. Animo a todos los que seguís este tutorial para experimentar y desviarse de esta paleta con el fin de encontrar aquella que sea perfecta para cada uno. Estoy interesado en las paletas a las que todos vosotros habéis llegado por vosotros mismos; visitad nuestro foro y compartid esas paletas con el resto de la comunidad.
Ahora pintad algo grande y compartid vuestro arte con el resto de nosotros!

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Esta ya es una buena base para afrontar con decisión el tema…estudiad bien vuestros colores, con las cartas y haciendo comparativas entre marcas para ver cuáles son más de vuestro gusto (dejo algunos de los míos, comparando entre Winsor&Newton –W&N, Rembrandt –R, y algún Dawler-Rowney que tuve, aunque cuanto más leo más me convencen de que uno debe centrarse en los colores de su paleta y, como mucho, alguno que pueda usar alternativamente- en las cartas, sólo los usuales de tu paleta, por favor):

…os dejo otras referencias sobre mezclas del color carne y paletas para retratos que circulan por ahí (quizás en otra entrega os cuente las teorías de Greene y Liliedhal, muy en consonancia conceptual con todo lo dicho):

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Pero…¿qué mezclas usó Jeremy Lipking para este cuadro?