El retrato (II)

La técnica Veneciana (según Virgil Elliot)*

Nota sagaz: cuando publico entradas nuevas, sube el número de visitas al blog: es normal. Las estadísticas del sitio se pueden convertir en un motivo para el manejo de los ‘tempos’ (y así lo hacen muchos), de forma que uno puede esperar a que las visitas decaigan (quiere decir que ya han leído casi todos la última entrada) y volver a publicar entonces lo que tiene guardado. Eso me llevaría a esperar para publicar esta nueva entrada. Pero como no pretendo que esos índices nos manejen el alma y nos vuelvan locos, hago caso omiso y publico esta entrada que tanto deseamos estudiar un día después de la anterior; dicho pronto y claro: paso de las estadísticas, aquí estamos entre amigos, entre amantes de la pintura…aquí hablamos de arte, no de negocios: aquí manda el hemisferio  cerebral derecho…

…que fluya el pincel…

Portrait_of_Agostino_Pallavicini_by_Anthony_van_Dyck,_Getty_Center

Agostino Pallavicini_Portrait of Anthony Van Dyck detail

(en este retrato de Agostino Pallavicini, Van Dyck se inspiró en el Papa Inocencio X de Velázquez)

(*) Siguiendo al maestro, obtendremos una primera descripción completa de la técnica según sus criterios para, posteriormente, ir poco a poco incorporando las matizaciones de otros maestros así como las deducciones de nuestra propia experiencia (esa es la idea, aunque se antoja de largo recorrido: veremos cómo discurre; por supuesto, si realizáis las experiencias y queréis exponerlas, como siempre, serán bienvenidas)…Mostraré ejemplos realizados también con la técnica Flamenca, porque el resultado final se puede obtener igualmente mediante la Veneciana y no podemos ni debemos renunciar a esos modelos de Obras de Arte sólo por ese matiz…son el mejor ejemplo a copiar e imitar…

1- La idea es hacer el mayor número de estudios posibles (recordad la definición de la entrada anterior: nada de detalles en ellos) antes de tocar el lienzo final, de forma que el artista sepa hacia dónde se dirige previamente.

Rembrandt's Old Man in Military CostumeMaster_Study_Act.Apalled_conceptArt.org_forum

(en este estudio de la derecha podemos ver que algunos tonos no están ajustados del todo…¿será que el autor se ha entretenido demasiado en los ojos?: hay demasiado detalle en ellos para un estudio; también en el gesto, descuidando el resto: proporciones, valor, etc…; hagamos caso de los consejos expuestos para no cometer estos fallos)…

…veamos a continuación un detalle de la colosal copia de Sadie Valerie:

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Como referencia de un buen estudio en técnica directa…

Kurt, Portrait Sketchlo res

…y ahora otros más clasicistas…

…vemos que resuelven problemas generales, no de detalle (aunque sintamos muchos de nosotros que, de ser capaces de hacer esto, los consideraríamos concluidos y nos daríamos por satisfechos, más contentos que unas pascuas…; resistamos esa tentación, un tanto hedonista en el fondo, ya que busca lo mediato; aunque hay que reconocer que para hacer estudios de esta calidad hay que poseer cierto grado de maestría, por eso los muestro)

Figure-study_StephenGjertson   ZOEY FRANK

Ingres sketches ZOEY FRANK   CavéPortrait Ingres

atelier 023atelier 014atelier 025atelier 012atelier 024

2- Tras realizar los estudios y seleccionar los mejores para la pintura final, comenzamos el lienzo con el dibujo a carboncillo, eligiendo la técnica que se quiera: cuadrícula, un cartón de tamaño igual al dibujo final desde el cual traspasarlo o dibujando a mano alzada. Una vez que el dibujo esté correcto se retira el exceso de carboncillo soplando y el resto se puede fijar con una capa muy ligera de spray de barniz restaurador o fijador. No es obligado fijar el dibujo a carboncillo.

3- El siguiente paso será repasar el dibujo con tinta o pintura muy fina, al óleo o alquídica. Las áreas de sombra se pueden indicar mediante un fino ‘restregado’ (scumbling), a la manera de la técnica de ‘pincel seco’, con un pincel de lengua de gato de pelo de cerda. Resulta muy adecuado el uso de Sienna Quemada alquídica para repasar el dibujo, cuyo aglutinante tiene más poder adhesivo que el aceite y seca más rápidamente.

Aristides_Lady with an Ermine

02_davidGray

Jonhattan Aller

4- Una vez seca esta fase, se cubre todo el lienzo con una fina capa de gris claro hecho de Blanco Flake y Negro Marte. Se elige este negro por su alto poder de tinte. Sólo se requiere una pequeñísima cantidad para agrisar el blanco, lo que asegura mantener esta capa muy magra. El Blanco Flake es el más magro de todos los colores al óleo. Se podría usar Negro Marfil o Sombra Natural en lugar de Negro Marte, pero el resultado será más graso, dado la necesidad de añadir más pintura para obtener los mismos tonos en sombra. Ambos, tanto Negro Marfil como Sombra Natural, son pinturas más ‘gruesas’, con menos poder de tinte que el Negro Marte; no obstante, se han usado con éxito durante siglos, antes de disponer del Negro Marte y, por supuesto, funcionarían hoy igual de bien que lo hicieron entonces. La Sombra Natural acelerará el secado, permitiendo reanudar antes la siguiente fase de pintura. En esta fase no se usa ningún médium, o se usa muy poco, quizás algo de Mineral Spirit, porque si no las capas siguientes no adherirán bien. En general, debe evitarse el añadir mucho solvente a la pintura o el poder aglutinante del aceite se debilitará y la capa de pintura quedará como desligada, causando problemas puntuales en el futuro a las capas posteriores.

Esta capa inicial de gris debe extenderse muy finamente, de forma que el dibujo sea visible a través suya. Las áreas en sombra se añadirán siguiendo el dibujo base con un gris algo más oscuro que la capa inicial, trabajando húmedo-sobre-húmedo. Las luces se añadirán con blanco puro o gris claro seguido de blanco puro. Hay que tener en cuenta que las luces se oscurecerán algo con los aún húmedos grises oscuros adyacentes mientras se mezclan en el lienzo, por lo que quizás sea necesario cargar el pincel con un gris más claro que el deseado, anticipando este efecto. En la primera sesión de esta fase de pintura de base gris, la pintura debe llevarse todo lo lejos posible, mientras que esté húmeda. No es necesario que el modelo pose en este punto si los estudios previos ejecutados en vivo están bien ajustados y muestran al modelo en la posición correcta, etc. Lo mejor es acabar esta capa base con al menos una sesión en vivo, antes de acometer las capas en color. Las correcciones, retoques, y otros ajustes en esta base pueden hacerse tras el secado de la capa inicial en gris, tantas como sea necesario. Las capas sucesivas pueden calentarse ligeramente añadiendo una pizca de Sienna Natural a los grises. Si no se hace así, los nuevos grises aparecerán más fríos que los de la primera capa. La adición de Sienna Natural asegura, además, que la capa subyacente será menos grasa que la que pintemos sobre ella, según la regla “graso sobre magro”.

La capa base será generalmente más clara que el pretendido efecto final. De hecho, será tan clara como sea posible, o los colores sobre ella aparecerán apagados, y la ilusión de profundidad en las áreas de sombra transparente se vendrá abajo. Pueden realizarse correcciones en la capa gris ‘ad-infinitum’ sin miedo a embarrarlo –son grises. Todos los problemas deberán resolverse en esta fase, excepto el color, porque las correcciones en color sí que pueden derivar en ‘barro’. Tras acabar esta capa, debe dejarse secar al menos una semana –cuanto más mejor, para conseguir una permanencia óptima. Como variación de esta técnica se puede usar un rojo tierra, como el Rojo Indio, en lugar de Negro o Sombra Natural.

Muestro algunos buenos ejemplos de grisallas:

(al poner el ratón sobre la imagen aparece el autor, si consta, preservando sus derechos)

An En Grisaille Portrait Of The Engraver Pieter De Jode The Elder_Van Dyck

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LarineChung_Lady with an Ermine

Master Copy Challenge by Brian MacNeil

Rembrandt's self-portrait

Fijáos en esta joya de Katt Leeds en una Mastercopy del retrato de Velázquez a Juan de Pareja…¿a que invita a intentarlo?

Juan de Pareja Grisaille small_KattLeeds

Juan de Pareja Grisaille small_KattLeeds

5- La fase de color, en esta versión de grisalla de la técnica Veneciana, puede comenzar con pinturas transparentes, extendidas finamente sobre la capa base, completamente modelada con pinceles rígidos. El modelado de la capa base debe ser plenamente visible a través del color transparente en el comienzo de esta fase aunque, antes de que la pintura se seque, las áreas de luces primarias, por lo menos, deben ser cubiertas con pintura opaca.

(en este esquema Julie Duell nos presenta las pinturas transparentes clásicas; si queréis ampliar, en la web hay mucha información sobre este tema; me parece importante traduciros lo que dice de los brillos, cuando se siguen otras técnicas: retirad con un paño la veladura en las zonas de brillos antes de que seque. No obstante, en la técnica Veneciana que estamos exponiendo se describe el proceso para las luces de otra manera; prestemos atención al texto y sigamos sus pautas, para no confundir las ideas y mezclar unas técnicas con otras; a cada cual lo suyo)

Ah,…podeis añadir el Ultramarine Blue a esta serie, y el Transparent Oxide Red…

(por citar sólo algunos de los más habituales, aunque hay muchos más)

glazing-transparent-oil-chart-Julie Duell

Una vez cubiertos los medios tonos y sombras con color transparente, se introduce en ellos la pintura opaca, húmedo-sobre-húmedo (o sea, no es otra fase, sino la misma, antes de que seque). Un buen lugar para comenzar esta pintura opaca es en los bordes acentuados de sombras más cercanos a los medios tonos. La mezcla opaca más oscura será tan oscura, o más, que los oscuros transparentes más acentuados de la sombra (lo que en su día llamamos ‘core shadow’) y deben ser mezclados con ellos donde coincidan, donde se toquen. Esto asegura la transición entre la sombra transparente y el medio tono opaco. Si no se ejecuta correctamente, los bordes de las luces o medios tonos mostrarán una apariencia ‘lechosa’ allá donde surjan entre las sombras transparentes. Evitaremos este problema mezclando sombras transparentes con sombras opacas, después sombras opacas con medios tonos opacos, y medios tonos opacos con luces opacas, todo húmedo-sobre-húmedo.

Master Copy Challenge by Brian MacNeil_color

Desde esa transición entre sombras y luces, la progresión natural, entonces, será proceder con los medios tonos más oscuros, después ir hacia los más claros y después a los brillos, todo con pintura opaca, húmedo-sobre-húmedo.

A continuación podemos dirigirnos a las luces secundarias en la sombra, tal cual se vean (lo que llamamos ‘sombra reflejada’), ajustando y dando toques de mayor sutileza allá donde se requieran. Esta es la manera de lograr el efecto más convincente posible de representación de la luz y la sombra en una forma sólida. El modelado de la capa base es visible, en mayor o menor grado, en las áreas de sombra a través de las  transparencias oscuras,  y se manifestará de alguna forma también en las zonas iluminadas, a pesar de estar cubiertas por pintura opaca. La pintura se va moldeando más espesa conforme se aproxima a las luces más altas, que son áreas donde la pintura debiera quedar más empastada. La razón de ello es que las luces más altas deberían ser totalmente opacas, no sólo recién puestas, sino a través de los años. Los óleos se van transparentando con la edad. Las luces así aplicadas permanecen efectivas a través de los siglos.

Juliette Aristides nos dice en su libro algo similar; cuando un color más claro se restriega sobre el área de la sombra propia, da la sensación de presentar una gran variedad de tonos fríos y una atmósfera añadida. Los bocetos a color darán al artista una guía de referencia para saber cómo debe ir construyendo cada capa. El método Veneciano es más flexible y amigable que el Flamenco. Hoy en día, estos métodos se han sustituido por otros más directos, aunque muchos artistas siguen apoyándose en diversas formas de ‘underpaintings’ o grisallas…mediante ‘lavados’ en monocromático o color. Desde el s.XIX no ha dejado de usarse el método de realizar un dibujo previo a modo de capa base en tonos térreos, en forma de lavado –diluido-, sobre el que se construyen las sombras limpias y transparentes para ir dando profundidad y volumen, y retirando en húmedo con un paño el pigmento sobre las luces. Otras variantes son el Método Bistre, el de Rembrandt o el de la escuela Francesa de Ingres y Bouguereau –aunque cada uno con sus peculiaridades.

6- La pintura opaca se usa siempre para representar la luz directa reflejada sobre nuestros ojos desde una superficie sólida. Si la pintura es opaca, la luz rebotará desde la superficie donde se extienda hasta nuestros ojos, justo como lo haría desde la superficie del objeto que tratamos de representar. Si no es del todo opaca, parte de la luz penetrará esa superficie y nos llegará refractada desde una capa inferior, resultando un efecto óptico diferente. Habrá sitios donde nos convenga conseguir este efecto óptico, y en esas zonas deberemos lograrlo intencionadamente. El aspecto de una piel suave, por ejemplo, se logra mediante un ligero ‘scumbling’ (restregado en seco de una pequeña cantidad de pintura) sobre las áreas de luz, con una mezcla aún más ligera de pintura opaca, afinando la translucidez con la presión del pincel y quizás la adición de un poco de aceite o médium. Este truco también resulta eficaz para dar mayor suavidad a la textura aparente de los ropajes. Podemos hacer que los cielos parezcan cubiertos o nublados con este mismo efecto. El ‘scumbling’ en cualquier lugar que represente la piel es más efectivo en las áreas que han sido tratadas densamente con pintura opaca. Debe ser sólo ligeramente más claro que los medios tonos y las luces que pretende modificar, o la ilusión de volumen se romperá.

courbet-autoretrato

Voy a poner otros ‘barbudos’ que debí exponer anteriormente, dada la maestría del autor, Sir Anthony Van Dyck, que, si bien usaba la técnica Flamenca, el resultado final es perfectamente asumible mediante la Veneciana…ahí van unas MasterPieces (escrutadlas con la mirada…ya vamos viendo transparencias y opacidades, así como scumblings posteriores, modificando levemente los medios-tonos y las luces):

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VanDyckVan Dyck's portrait of Frans Snyders_detail

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Anthony van Dyck, Michel Le BlonAnthony-van-Dyck-Portrait-of-the-Painter-Caspar-de-Crayer

attributed_to_sir_anthony_van_dyck_portrait_of_a_gentleman_bust-length_d5403427hSIR-ANTONY-VAN-DYCK-NICHOLAS-LANIER

…o este otro autorretrato de Leon Bonnat:

Leon Bonnat_self portrait

7- Los cuadros pintados mediante la técnica Veneciana suelen acabarse generalmente con veladuras y restregados, tras el secado de la capa de color, como un retoque final. Usando este método o alguna variante suya, el artista puede crear quizás la mayor ilusión de realidad de todas las técnicas de pintura. Los problemas se resuelven en estadios, más que a la vez, lo que permite entretenerse en cada uno con la atención necesaria, desde la composición general hasta el esquema de color, rango de valores, parecido, proporciones, embarrados, detalles, y todos los efectos visuales. Además otorga la capacidad de realizar correcciones en los diferentes estadios sin que sean apreciables en la pintura final.

Fijaros en un moderno ejemplo de maestría…de la web ‘Katt Leeds Fine Art’, donde la autora nos presenta un tema con una paleta muy básica –3 colores: “Garlic” (Ajo) pintado con ultramarine blue, transparent earth orange, y cremnitz white, donde se demuestra que el dominio del Valor puede ser la clave de todo; dos colores complementarios establecen las relaciones de temperaturas adecuadas para darle interés y armonía, pero el color no es un factor determinante en el cuadro y, sin embargo, se muestra de bellísima factura, atrae la mirada:

http://kattleeds.blogspot.com.es/

…o este otro magistral también de Sophie Ploeg, un perfecto ejemplo de lo que explicábamos sobre la forma de conseguir texturas en los ropajes…:

http://www.sophieploeg.com/faces.html

yellowscarfII_Sophie Ploeg

Os recomiendo visitar…

http://www.npg.org.uk/whatson/exhibitions/bp-portrait-award-2011/the-exhibition.php

…para que curioseéis por dentro.

Como ya conocéis mi debilidad por Velázquez (de joven conocía sus salas del Museo del Prado casi de memoria; ahora están cambiadas, según pude comprobar en la última exposición a la que acudí, con motivo de la visita de las obras del Museo Hermitage de San Petersburgo). Acabo con un autorretrato magistral, donde, como siempre, hace que lo difícil parezca simple…¡y con paleta básica!

 1diego-velazquez-self-portrait-6

Autorretrato_Velazquez

¡Practiquemos con los Grandes Maestros! Creo, sinceramente, que el tiempo empleado en esto merecerá la pena…

http://www.museodelprado.es/



NOTA FINAL A POSTERIORI:

Buscando información en los múltiples ‘Ateliers’ que hay en internet (hay artículos muy interesantes sobre ello, donde explican lo bueno y malo de cada cosa: Academia de arte o Atelier vs. Facultad de Bellas Artes o Universidad; una sinopsis: el ‘cómo’ frente al ‘qué’, respectivamente) me encontré con uno interesante, donde trataba la popular y muy reconocida técnica Bargue de dibujo, sobre la que leí hace tiempo –quizás algún día escriba sobre ello. Pero no voy a esto, aunque os invito a visitarlo y curiosear…

http://www.jaymedelrosario.com

y algunas de sus joyas de Pietro Annigoni :

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…pero uno de sus links me llevó de la mano a otro sitio igualmente interesante:

http://www.studioincamminati.org

y leyendo en él sobre el retrato, me encontré una iniciativa de las que enamoran:

Face To Face – The Craniofacial Program Portrait Project

dedicada a niños y chicos de entre 7 y 25 años hospitalizados que padecen esta tremenda enfermedad, donde pintores del Estudio Incamminati han realizado retratos de estos pacientes, interactuando con ellos, y evaluando finalmente los médicos especialistas los impactos psico-sociales que esta experiencia producía en sus ya afligidos corazones…

Traducidlo con google si no lo entendéis en inglés, porque cosas así merece la pena que llamen nuestra a veces desvirtuada atención –tan fija, a menudo, en lo estéril- para que al menos dediquemos unos minutos a aplaudir a sus promotores…

http://www.studioincamminati.org/face.php

Face To Face - The Craniofacial Program Portrait Project

Face To Face - The Craniofacial Program Portrait Project2

 

FaceToFace_Emily_DebbieSchaferFaceToFace_Anthony_StephenEarlyFaceToFace_Avery_RobinFrey

Fantástico…¿verdad?

…nadie, mejor que ellos, merecen estar aquí…

¡Viva el ARTE!

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31 respuestas a El retrato (II)

  1. José dijo:

    ¡Grata sorpresa!
    No esperaba esta segunda entrega tan pronto, aunque deseaba que llegara.
    Gracias, Miguel, nos muchos ánimos.

  2. Yined dijo:

    Fantástico, muchas gracias Miguel.

  3. oswaldo dijo:

    Estoy tras la pista de los libros que recomiendas y dentro de unos dias te digo algo.

  4. sandro dijo:

    gracias Miguel. Sobre la técnica veneciana es de lo mejor que he consultado en cualquier fuente.No solamente para el retrato sino para la pintura al óleo en general.Tu aporte nos representa un enorme ahorro de tiempo brindando una especie de brújula o gps para pintar más tranquilos.Que haya buenos cuadros,buen arte,buen oficio,que ya hay suficientes cuadros malos en el mundo (de lo que me he enterado gracias al internet). Cordial saludo.

    • …se que el aporte es notable, porque conozco lo que se puede encontrar por ahí; de hecho, no sólo en internet sino que tampoco encuentro bibliografía en español donde se explique con tanto detalle como los libros en inglés que presenté en la primera parte (por eso recomiendo su compra, aunque sea por hacerles justicia): ¿a qué se debe esto?
      Quizás el carácter hispano no es tan abierto como parece; en norteamérica está claro que funciona desde siempre la cultura del marketing, y eso marca definitivamente una gran diferencia (está en sus genes); pero muchos países europeos se mueven en este mismo sentido: a alguien se le ocurre que es un negocio grabar vídeos del tema y lo financia; pero además se ponen a su disposición artistas de primera talla, verdaderos genios. Supongo que en el mundo hispano, esos artistas están demasiado encumbrados para prestarse a algo semejante y, además (o quizás por eso mismo), a nadie se le ocurre que vender vídeos de su proceso pictórico sea un negocio…
      Quizás me equivoque, es sólo una opinión, pero pasa también en otros ámbitos. Y si hablamos de compartir de forma gratuita ni os cuento…En mi ámbito profesional, cuando un americano sabe mucho, incluso los mejores del mundo, publica libremente grandes dosis de conocimiento (lo que no quita que, además, escriban libros, publicaciones, den conferencias, etc., obteniendo ingresos por otras fuentes, lo cual es justo); pero en España, al menos, en cuanto alguien sabe algo de cualquier cosa -incluso los que no tienen ningún reconocimiento profesional-, escribe un libro sencillito para vender por no menos de 50 euros y crea un máster online no muy desarrollado a precios sangrantes, y por supuesto se niega a cualquier difusión libre y gratuita sobre el tema…

      Esa es la verdadera diferencia de caracteres, no el mostrarse chistosos y propensos al chascarrillo…lo cual me da mucha pena. Ojalá acabe encontrando textos en español sobre este tema, pagaré lo que valgan si dan la información precisa, y me comeré mis palabras encantado de la vida…
      …mientras tanto, me alegra que te sea útil…
      ¡A practicar!

  5. E.Angulo dijo:

    Un excelente trabajo de aportación y que sin duda es de gran ayuda a todos los amantes del arte. y merece que seacompartido…. Por lo que te pido me des permiso para enlazarlo en mi WEB. Un saludo afectuoso Miguel
    E. Angulo

    • Por supuesto Enrique, tienes mi permiso (que me descarga un poco de sentirme en deuda contigo por el compromiso adquirido de escribir en tu blog; espero que comprendas mis dificultades para tanto aporte, buscando la calidad aquí y tener algo de tiempo, de vez en cuando, para pintar); quizás puedas ilustrarme también sobre cómo organizar el tiempo, porque lo que tú llevas y produces, no es poco…
      ¡Claro que hay que compartir y difundir el conocimiento!
      Un abrazo.

  6. Leticia Rodríguez dijo:

    Miguel, tu blog es soberbio, tu aportación impagable, y tu actitud ejemplar. Siempre he pensado que guardarse los conocimientos para uno mismo es un atentado contra el bien común, pero desgraciadamente, la mezquindad es mucho más frecuente que la grandeza de espíritu. Estamos hartos de leer libros que no aportan nada porque su autor tiene muy poco que decir y lo poco que dice se lo plagia al de al lado….
    Enhorabuena por tu buen hacer, enhorabuena por no ser uno mas y mucho ánimo para seguir dando ejemplo con el rigor de tus entradas y la honestidad que demuestras.

    • Muchas gracias Leticia: dicen que toda elección exige una renuncia, pero yo no entiendo qué renuncia hay en intentar hacer las cosas bien. Alguien dijo no hace mucho que, entre lo fácil y lo correcto, siempre hay que elegir lo correcto, por difícil que sea; y yo añado: ¡mucho más cuando también es fácil!
      No nos olvidemos: esto es un hobbie que nos enriquece, nos apasiona, nos alegra, nos encanta…¿qué significa realmente lo demás? Yo creo que absolutamente nada.
      ¿Habéis visto los niños de las fotos que he puesto en la Nota final, añadida con posterioridad? Eso sí que es importante.
      Me alegra ver que somos muchos los que pensamos así, porque muchos aquí lo apoyáis -creo que somos más de lo que parece, pero tal vez hagamos menos ruido…

  7. sandro dijo:

    Miguel:ofrezco disculpas por mi apresurada frase que resultó mu lejos del tono coloquial que me animó. Lo que estoy es muy agradecido contigo y complacido con los numerosos y buenos participantes de tu formidable blog. Para todos un respetuoso y afectuoso saludo.

    • No Sandro, tu frase es muy correcta. Y te agradezco el comentario (cómo no: desde que publiqué ‘Retratos I y II’ he tenido en una semana 4121 visitas y sólo 9 comentarios, así que os agradezco mucho a los que decidís contribuir, porque yo también aprendo de vosotros). Pero ya sabéis cómo soy cuando escribo: aprovecho cualquier ocasión para disertar…Pero nadie debe disculparse. Como bien dices, estamos charlando coloquialmente, y así lo entendemos todos aquí…
      Un saludo y a pintar, amigo…

  8. E.Angulo dijo:

    Estimado amigo Miguel, como siempre te sales… Magnifico tutorial. Si me lo permites lo enlazare a mi pagina. Merece mucho la pena compartir este trabajo. Mis felicitaciones.

    • Adelante, maestro, adelante…que prolifere el arte desde nuestro entendimiento.
      Nota a otros visitantes: Enrique me recriminó amigablemente en cierta ocasión que le llamara maestro. Basta visitar su web para entender por qué lo hice, y la humildad de su gesto. Toda una lección. Muchos seguiremos aprendiendo contigo…

  9. Antonio dijo:

    Acabo de empezar a seguirte hace pocos días y quería agradecerte todo el conocimiento que has recolectado, procesado y compartido en tu blog!
    Siempre se ha dado bien el dibujo pero había hecho poca pintura, solo algo con acrílico. El año pasado me regalaron una caja de Oleos y me decidí a sacar algo de tiempo de vez en cuando y probar.
    También, para aportar algo de lo poco que conozco, dejo un enlace a la exposición de Jaime Súnico: http://www.youtube.com/watch?v=OVtcvhIWKjk. La vi por casualidad al visitar el monasterio de Santo Domingo y me impactaron los retratos. De cerca solo veías una tela de 2m de alto con pegotes de pintura, de lejos percibías perfectamente los rostros y con mucha luminosidad (tras leer el capítulo de contrastes me doi cuenta que el fondo oscuro ayuda bastante a este efecto)

    • Gracias Antonio por pronunciarte. Te deseo mucho éxito en tu giro al óleo, pero sobre todo, que te enganche como a muchos de nosotros…
      Me ha encantado el vídeo que propones, no me extraña que te impactaran en vivo esas pinturas: hay un muy congruente dominio del valor y su relación con el color y contraste; un magnífico ejemplo con el que nos has ilustrado.
      Ánimo con el pincel…

  10. Ruth dijo:

    Cada una de tus entregas es digna de leer y releer mil veces, por los ejemplos que utilizas, los análisis, los enlaces externos y demás; pero esta es la que más me ha impactado, tanto que aún estoy digiriendo la información y solo sé que nada sé; pero creo que el primer paso para superar la ignorancia es empezar por admitirla.
    Me espera un laaaaaaaargo trecho…….

  11. Helena dijo:

    Acabo de sumergirme en tu blog, pero he de ir hacia entradas anteriores porque veo que voy a aprender muchísimo. Llevo aprendiendo óleo tres años y no sabía nada sobre la grisalla, que es una técnica extraordinaria para los torpes con el color, como yo. Magníficos enlaces. Estoy entusiasmada, ¡ mil gracias!

  12. Pingback: El retrato (II) « H.Alvarez

  13. Natalia dijo:

    Estoy releyendo o intentando volver a aprender y me parece ahora mucho más interesante. Gracias

  14. heinrich79 dijo:

    Dado que no soy precisamente un genio con el color (ya estoy poniéndome al día en teoría del color gran parte gracias a tu magnífico blog), me interesa bastante esta técnica ya que separa el dibujo, los valores y el color en fases diferentes por lo que uno puede centrarse en algo en concreto y no errar en otro aspecto. Además me gusta el realismo, el hiperrealismo y la pintura renacentista y barroca.

    Dicho esto y comentándote que estoy realizando varios cuadros probando estas técnicas debo preguntar algo desde la ignorancia.del principiante por si me lo puedes aclarar: ¿en qué se diferencia la técnica flamenca de la veneciana?

    Si me he saltado algún artículo te agradezco que me remitieras a él. Gracias y más gracias por todo el blog. Un saludo

  15. Pablott dijo:

    Maravilloso…Pues aca yo tmb estoy invirtiendo tiempo en hacer una copia de Rembramdt…y gracias a un libro de Rubens…y a Virgill Elliot…pues tenemos las herramiemtas para poder lograrlo…pero el problema es que hay demasiadas fotos de muy mala calidad. No se si la ke estoy usando sea la mas cercana a como se ven en la realidad. Pero pues se parecen. A ver como le hago para que los. Veas Maestro Miguel…y me ayudes con el color PIELLL…jahahaha…ya lo tenia bien ejercitado…y me he perdido. ( la falta de una buena ilumimacion en este invierno, me ha condundido nuevamente) solo de dia es como veo bien los tonos, SALUDOSSS

    • Gracias Pablo, pero no te lies con el color… Mira mi artículo sobre el color piel y comprenderás que la pregunta no tiene sentido. Y hablando de sentidos…debes dejarte guiar por éstos. Pinta colores cálidos desaturados y dales variedad con la oposición de otros de la misma familia más fríos, y así sucesivamente, pero sin perder nunca la tendencia natural de la temperatura de la zona que estés pintando. Estos son los principios básicos, más que el color en sí. Lo demás, el cómo resuelvas cada zona global…¡ufff!, eso es más difícil explicar: es lo que llamamos ARTE.

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