Practicando la técnica…con Raphael di Sanzio: Underpainting

1ª sesión: muy finamente extendida, dejando entrever el fondo. Blanco y Negro.

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2ª sesión: trabajando los valores (añado algo de Sombra Natural al gris). Muestro un estado intermedio con el óleo aún fresco…hay que ir desarrollando el medio tono para que los extremos adquieran sentido y puedan ajustarse, si no, se desvirtúa la luz.  Quedan aún muchos ajustes, pero parece que va adquiriendo volumen. He aprovechado para recuperar un poco el dibujo previo, cuidando las proporciones (se van con suma facilidad en las transiciones, sobre todo con el óleo aún fresco). Para algunos detalles muy concretos necesito que se seque un poco…(puede ocurrirte que por ser en blanco y negro quieras acabar pronto, pensando que es más fácil: cuando te sobrevenga esta loca sensación, piensa que en la fase de color no debes preocuparte del valor, que debes ajustar en esta fase, así que pregúntate si tal como está puedes olvidarte ya del valor: seguramente eso te obligará a seguir…quizás con más pausa y respeto)

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…continúo ajustando…

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Por cierto: retiremos la pintura de la paleta cuando ya no esté fresca, aunque parezca un desperdicio y tirar el dinero; es inútil empeñarse, no hace sino apelmazarse en el lienzo y crear pegotitos de forma incontrolada…ojo al negro y los tierras, son especialmente dañinos en este sentido. No hay que desesperar: vuelta, de nuevo, a crear la escala de grises con óleo que fluya bien, fresco, fresco y ajustar con esmero los valores, sin pereza mental. Descansa si te ves fatigado por la búsqueda contínua del tono (ten en cuenta que en esta fase has limitado los problemas al quitar el color) y vuelve cuando estés tan fresco como tu pintura (de hecho me pregunto, incluso, si no deberé tirar a la basura algún tubo de óleo que ya está algo pasado; intentaré recuperarlo con medium pero, ojo con esto, somos nosotros los que debemos controlar lo graso o magro que esté, no el tiempo que lleve el tubo en nuestro cajón de pinturas)

…un poco más desarrollado…

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…como he tenido un poco de tiempo para pintar he aprovechado para avanzar con don Bindo…unificando las luces y las sombras; comenzando el pelo…

Esta vez he realizado la escala de grises con Raw Umber y Cremnitz White poniendo algo de negro a los más oscuros, para estirar la escala en esa zona, y he empleado muy poco medium (2/3 medium 083 Talens + 1/3 turpentine): se aplica en húmedo como una fina capa cuasi-transparente, dejando algunas zonas vistas del gris frío anterior  (jugando así con las temperaturas de los grises); aprovecho para recomponer el dibujo de algunas partes que se habían deformado un poco, como el ojo focal. Los brillos están en el 5 ó 6 de la escala…

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…sigo pintando y ajustando, que ya le queda poco…(continuará en esta misma entrada)

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30 respuestas a Practicando la técnica…con Raphael di Sanzio: Underpainting

  1. Natalia dijo:

    Gracias Maestro por compartir, es un placer leerte

    • Ufff, Natalia, gracias pero las palabras no nos hacen ser lo que no somos (aunque esté de moda entre periodistas y políticos). Maestro fue el que pintó a Don Bindo en vivo: ¿a que ahora se contextualiza mejor? No te preocupes, me encanta ser aprendiz, disfruto mucho del proceso…es como leer un libro y no querer acabarlo. Creo que escribiré algo sobre esto…

  2. Tu blog es MAGNÍFICO. Muchas gracias por tanto trabajo. He vuelto a pintar después de 10 años y estoy “oxidada” y este blog ma da ánimos… GRACIAS

  3. Estoy leyendo el blog corriendo, por lo que no sé si habéis hablado de ella o no. ¿Que os parece Abbey Ryan?

  4. Raus dijo:

    Estimado Miguel de Montoro:
    Estoy encantado de conocer este magnífico y generoso blog. Soy aficionado a la pintura al óleo y estas enseñanzas me resultan de enorme utilidad. También es verdad que, para un sujeto como yo, con abrasiva “avaricia de minuto”, (lo único que me une al gran Quevedo), darse cuenta (todavía más) de lo poco que uno sabe, no deja de ser bastante frustrante. El tiempo pasa y sigo sin ver la luz (pictórica) al final del túnel de mi ignorancia artística. Pero, en fin, un millón de gracias por estas necesarias frustraciones.

    • …cuando tengo ataques de frustración -ayer mismo-, vuelvo a lo básico…es un viaje que trata de abundar en aquellos aspectos aprendidos con prisas, pero cuya práctica se ha ido dejando en pos del ‘lucimiento’ en los cuadros…y así nos ‘luce’ el pelo. Es como tratar de conducir un deportivo sin haber automatizado el juego de pedales embrague-acelerador, y quejarnos de que no sea automático en vez de manual. Hace poco le decía a una hermana mia que se desesperaba con su aprendizaje de un idioma: cuando empiezas a tocar la guitarra, avanzas mucho al principio, con los acordes y todo eso, y crees que has aprendido un mundo y que va a ser así de fácil todo el camino; pero pronto llegas a un punto donde no avanzas más de forma inmediata (esa urgencia que tenemos hoy día por todo), y te desesperas…¿qué esperabas? ¿Creemos que los artistas que vemos y copiamos han llegado a ese nivel de maestría sin esfuerzo? Creer tal cosa es ingenuidad…O LOCURA.
      ¡Ánimo y suerte!

      • Raus dijo:

        Claro, Miguel. Mi hermano es profesor de guitarra y también me cuenta esas cosas de sus alumnos (y más hoy, que muy pocos niños han sido enseñados a esforzarse en el estudio de lo que sea). En mi caso al menos, el esfuerzo debe ser enorme, y así lo reconozco. La pintura al óleo sería un arte muy pobre si cualquier aficionado llegara a dominarlo sin esfuerzo. Sin embargo, es, como sabemos, una disciplina de inigualable riqueza, un legado de siglos de experiencias y reflexiones de los más grandes. Creer, como bien dice usted, otra cosa, es una locura (más que una ingenuidad); tanto como lo sería creer que se puede aprender matemáticas sin esfuerzo. Pero creo que el esfuerzo merece la pena siempre, así que en ello estamos. Muchas gracias.

  5. mariafatimaaa dijo:

    Hola, estoy leyendo el blog (es magnífico) pero en una de las respuestas decías que sólo tenías confianza en una serie de marcas de óleos. Yo dejé de pintar hace diez años y pintaba con óleos titán. Mis cuadros de hace 10 años están estupendos.
    Y creo que para un principiante están muy bien. Cuando se evoluciona a mejor se pueden comprar óleos mas caros. Lo digo para el que no pueda permitirse gastar mucho dinero.
    Eso sí, hay óleos muy, muy baratos que no se deben comprar porque son horribles.
    Fátima
    pd. no puedo dejar de dar las gracias por este blog. GRACIAS GRACIAS GRACIAS…

    • Gracias a ti Fátima…Podría estar de acuerdo contigo si mi experiencia con Titán hubiera sido buena: pero no lo ha sido. Creo que cuando eres novato no lo aprecias porque tu vista no se ha hecho aún a los matices. Pero cuando avanzas en las mezclas la vista se desarrolla (por fortuna) y aprecias cosas que antes no conseguías ver: tonos, valores, colores, temperaturas, etc… En ese sentido es cuando el novato empieza a sentir apetencia por óleos de mejor calidad. Esa ha sido mi experiencia y es la que debo transmitir con franqueza. Ya conté que los matices que trabajaba durante minutos en la paleta y el lienzo desaparecían al día siguiente. Hay que tener en cuenta que los óleos, además de pigmento y aceite, llevan otros productos aglutinantes y conservantes de la consistencia, como algún tipo de cera, etc…Al final, las calidades de cada componente van influyendo de forma acumulativa en el resultado final. Pero si a ti te va bien con Titán, estupendo, sigue con ellos: nunca te diría otra cosa. Sabes que siempre aviso cuando una marca es cara, o un color determinado de una marca. Pero creo que la diferencia de precio de Titán a W&N no es tanta y compensa decantarse por el segundo: por supuesto para quien pueda permitírselo, es obvio.

  6. Raus dijo:

    Querido Miguel, tengo una mala noticia, o eso creo. Ayer fui a Valencia (soy de un pueblo de Albacete) para comprar material de pintura. Quería completar mi paleta con alguno de los colores que recomiendas. Iba a comprarlos de Winsor y Newton, pero el tendero no tenía todo el catálogo. Le pregunté la causa de la ausencia de varios colores básicos y me dijo que tenían intención de ir retirando esta marca, pues, según me explicó, se la van a quedar los chinos, con la consiguiente e inevitable pérdida de calidad. ¿Qué opinas (o qué opináis) al respecto? Por otro lado, si esta marca dejase de ser tan fiable como lo es hoy, ¿qué otra marca de parecido precio podría sustituirla?
    En opinión de un maestro del realismo, Poul Carbajal, (imagino que lo conocerás, Miguel), la mejor marca, con diferencia, de óleo es Old Holland. Cuento esto por si a alguien le interesa la opinión de este excelente pintor. Yo me compré unos veinte colores de esta marca y puedo asegurar que es extraordinaria. Pero muy cara, como es lógico. Moussini también es de gran nivel, pero de precios parecidos. Yo utilizo los Holland para la veladuras finales. Ahora, como digo, me queda la duda de con qué sustituir a los W&N. ¿Quizá Rembrant? Gracias y felices fiestas a todos.

    • Gracias Raus y felices fiestas también…
      Creo que el tema de las marcas bien pudiera tener dos componentes fundamentales en nuestra apreciación de ellas: uno, la calidad real y el precio (objetivo); otro, nuestro gusto personal y capacidad económica (subjetivo). Por tanto, usando lógica aristotélica, la decisión final entre marcas parecidas es totalmente subjetiva: dependerá de los gustos personales y de la utilidad marginal que nos proporcione la marca sobre nuestra solvencia económica. Es por esto que NO todos los Grandes Maestros utilizan la misma; y por eso debiera ser inútil recomendar ninguna. Sin embargo, basándonos en los criterios objetivos, hay casi unanimidad en lo siguiente:
      – Old Holland es extremadamente cara para la calidad que aporta sobre otras marcas de igual categoría (con todos mis respetos a Poul Carbajal: quizás en su opinión influyan los aspectos subjetivos también: desde luego parece seguro que puede permitírselo). Casi lo mismo puede decirse de Blockx.
      – Sobre Mussini, también muy cara, hay cierta tendencia de algunos expertos a destacar su calidad (yo no los he probado). Otra cosa será que merezca la pena gastarse tanto.
      – Desde luego Rembrandt puede compararse en ocasiones a Winsor&Newton (no siempre) y el truco de su precio, ligeramente inferior, consiste en considerar que el tubo es de 40 ml mientras el de W&N es de 37 ml…o sea, pagas algo menos por algo más de producto: por tanto el precio es netamente inferior.


      …en fin, todo un mundo de gustos y posibilidades. A mi, personalmente, me gusta probar, dentro de unos límites económicos. Ya cuando sea Gran Maestro pediré que me hagan óleos a mano y a mi gusto. ;)

      • Raus dijo:

        Gracias de nuevo, Miguel.
        Como te dije, me preocupa que los Winsor y Newton sean fabricados en China, no porque tenga nada contra los chinos, obviamente, sino porque suele ocurrir que se abaja sustancialmente la calidad del producto. Un pintor profesional (a mi corto entender bastante bueno), me advirtió de que los pasteles Rembrant ya no eran tan buenos como hace años, precisamente por la razón que expongo. Por otro lado, supongo que no hay que dar por hecho que esto haya de ser necesariamente así
        Carbajal coincide contigo en que los Titán no son recomendables. De hecho, aconseja no usar ninguno de sus productos. Asegura Carbajal que los Holland son los mejores. Dice basarse en muchos años de comparaciones, experiencias y experimentos en su propio laboratorio sobre las diferentes cualidades de la pintura al óleo. Pero, bueno, bien podría ser que, como tú dices, haya razones subjetivas para explicar su elección. Los Holland,, en efecto, son carísimos.
        Yo he probado la gama alta de la casa Mir. Creo que tienen aceptable potencia, pero la verdad que me exaspera que la pasta salga tan dura del tubo. Seguramente, es porque tienen una buena porción de pigmento (y menos aceite), pero a mí no me convencen. Algunos colores no salen del tubo ni aplicando más fuerza que Sansón. Los Newton siempre me han gustado. Los Rembrant, también (los he probado muy poco), pero yo diría que tienen algo menos de pigmento que los Newton, No obstante, me parece que a la hora de hacer una obra de arte, cuenta más el talento del pintor que el hecho de que una marca tenga algo más de calidad que otra (contando con que ambas sean buenas).
        Reitero mi agradecimiento por este magnífico blog, Miguel. Ten por seguro que si no hay más comentarios no es por desinterés o apatía de los que por aquí pasamos (al menos no es mi caso), sino por ausencia de conocimiento y de algo interesante que decir (bueno, que nadie se ofenda: realmente, hablo de mí). A mí no me queda otra que leer con atención y aprender.

        Gracias y felices fiestas a todos.

        • Bueno, gracias por tu interesante aportación…ya ves que para comentar basta con tener interés por algo, no tanto conocimientos, que en este caso se ve que también los tienes. Lo de la pasta densa de Mir no es porque lleve más pigmento, que en principio da calidad -no la quita- sino seguramente porque el pigmento no ha pasado a una molturación más fina. Es un proceso industrial que, como todo, cuanto más se alarga más encarece el coste de producción, repercutiéndose en el precio. Hemos de pensar que los más caros tienen una finura de pigmento extraordinaria y un alto contenido mientras los más baratos aportan demasiado aceite y aditivos a un menor contenido de pigmento menos finamente molido.
          Respecto a los chinos, es difícil saberlo. Hace no mucho podíamos asegurar esa falta de calidad -como en los pastel que mencionas-, pero hoy día hemos de admitir que cada vez más están logrando los estándares de calidad que les impone Occidente, porque hay muchas cosas donde sólo el precio no permite que compitan en el mercado (aceros de construcción, joyería de gama media, perfumería, etc…) lo que está consiguiendo que realicen mayores inversiones en sus fábricas para mejorar la calidad del producto final. En muchas cosas ya están cumpliendo…eso hace que no crezcan a tan alto ritmo como han venido haciéndolo pero ahora compiten en más áreas. Las amortizaciones serán más rápidas que en otros paises y esperemos que les permita seguir invirtiendo con no tan cortos periodos de retorno. ¡Ah! y que suban los tipos de interés para que siga aumentando de forma notable -que no se ve ningún signo en este sentido, caray- su clase media y el nivel de vida de sus gentes, que ya lo merecen…
          Felices fiestas…

          • Raus dijo:

            En efecto, Miguel, cuanto más pigmento mejor, pero, como bien explicas, convenientemente molida la pasta. De lo contrario, se hace casi impracticable el trabajo. Lo que me resulta curioso es que esa gama alta de Mir tenga una presentación lujusísima (vienen en una cajita cada tubo), sin que ello se compadezca con la calidad de la pasta. Es un error, pienso, querer ganar mercado sólo a través de la mejora de la imagen. Eso no es más que un camelo que antes o después se descubre.
            Me alegra mucho lo que dices de la industria china. Hace poco me contaba un técnico de aires acondicionados me dijo que, los chinos están fabricando con más calidad. Y también es magnífico (de hecho, lo mejor) que los chinos se desarrollen como es debido, que para todo el mundo ha de salir el sol.

            Saludos

          • Raus dijo:

            Por cierto, recuerdo que hace un tiempo leí en internet que la mujer de Antonio López, nuestro gran maestro patrio, utilizaba (o llegó a utilizar) los óleos Rembrant. Quizá sea también la marca de Antonio López. Bueno, al margen de esto, lo que yo sí creo recomendable es usar, en la medida de lo posible, la gama de colores de una sola marca, evitando mazclarla con otras marcas, sobre todo para homogeneizar la paleta y evitar diferentes criterios cromáticos.

            • …en la película de El Sol del Membrillo, sale la caja de óleos de Antonio López y no parece que haya ningún Rembrandt (aunque no se distingue bien cuáles pueden ser -desde luego parecen de una casa comercial extranjera, no hechos a mano). La mujer de Antonio ya es otro tipo de referencia. Mejores que ella son R. Schmid, J. Lipking, D. Leffel, etc., y todos ellos incluyen algún Rembrandt -como he comentado en muchas ocasiones-, aunque nunca sabremos si se debe a que las marcas les pagan por promocionarlas en sus videos, lo cual sería lógico: son autores de mucho renombre y ayudan a aumentar las ventas, sobre todo existiendo internet, donde tienen miles de seguidores.

              • Raus dijo:

                Llevas razón. Quizá haya intereses comerciales en todo ello. Parece claro, en cualquier caso, que la Rembrant es una buena marca. También tengo entendido que los óleos Maimeri y los Sennelier son excelentes, aunque yo no he tenido la oportunidad de probarlos. Evidentemente, la elección de una buena marca (o varias) es un asunto esencial en cualquier aspirante a artista (ni siquiera sé si yo estoy en este estadio), pero también creo que no tiene mucho sentido preocuparse en demasía. Tengo un amigo que ha cambiado infinidad de veces de equipo de música (altavoces, platinas, tocadiscos). Nunca está conforme con la reproducción del sonido. A todo le encuentra pegas. La verdad es que, en mi opinión, no escucha la música: está tan pendiente de la fidelidad del sonido que no llega a disfrutar de las canciones y piezas. Y he conocido algún pintor de vastos conocimientos sobre la composición química de los óleos cuyas obras, sin embargo, tenían escasa calidad artística. Sabiendo que uno cuenta con un buen material, todo lo demás ya depende de uno: de su trabajo y talento. O eso creo.

  7. antonio6866 dijo:

    Miguel, quisiera conocer tu opinión acerca de trabajar con fotografías o del natural. Hasta donde yo sé, es preferible, por muchas razones, pintar del natural. Carbajal carga insistentemente contra el uso de la fotografía (muy usada, como sabes, en el hiperrealismo). Arguye que la mejor foto es, siempre, una realidad de segunda; algo muy pálido en comparación con lo que ofrece a nuestros ojos la realidad misma. Apunta, asimismo, una cantidad enorme de aberraciones ópticas en cualquier fotografía. Antonio López también se prenuncia en contra del uso de fotografías, al menos en el quehacer habitual del pintor. Por cierto, que en una conferencia, nos dice que a R. Estes trabajar con fotografías le funcionaba, pero a los pintores españoles no: los resultados son paupérrimos). El gran Claudio Bravo se negaba a pintar (retratos o lo que fuera) de fotografías. Incluso llegó a negarse a pintar retratos de algunos reyes o gente de la aristocracia si no podía pintarlos al natural.
    Por otro lado, en fin, veo los trabajos de Scott Burdick, por poner un ejemplo, quien sí trabaja con fotografías, y, la verdad, me quedo con la boca abierta. ¿Qué piensas al respecto? (Por supuesto, no me refiero a practicar con ayuda de fotografías que reproducen grandes cuadros de otros autores. Esto me parece una práctica muy útil. Es otra cosa). Gracias.

    • Gracias a ti Antonio…Desde luego que no tiene nada que ver una cosa con otra, y esto no es cuestión de opiniones sino un hecho. Nuestra visión es binocular. La cámara sólo tiene un objetivo o foco. Aún las simulaciones en dos componentes (muy usadas por el ejército y la ingeniería en lo que se llaman restituidores analógicos) con ortocámaras en vuelos fotogramétricos para producir bases estereoscópicas y generar después, mirando con un aparato de dos lentes, una especie de imagen 3D, no llegan ni de lejos a la visión de los ojos humanos, y esto lo sé por experiencia. Las cámaras que han intentado servirse de dos focos han fracasado, porque simular el proceso posterior de imagen reflejada en la retina y transformación en impulsos mediante el nervio óptico al cerebro se antoja bastante complejo, aunque quizás algún día la técnica logre imitarlo. Así que la cuestión es muy obvia…un artista no debería pintar de fotografía. Otra cosa es que utilice el modelo a ratos y luego se apoye en la foto para otras cuestiones (composición, comparar colores locales, etc…) La respuesta más simple a tu pregunta ya la han dado muchos artistas: un dibujante avanzado reconocerá inmediatamente si el retrato proviene del natural o de una foto. La torpe cámara, al usar un sólo objetivo, tiene que acudir a proyecciones de la imagen en planos ortogonales al haz principal, y eso se nota por alguien acostumbrado a copiar la realidad. Evidentemente copiar la foto de un cuadro de un maestro no tiene nada que ver, porque ahí ya está en dos dimensiones y la foto no deforma si se hace bien (si no está ortogonal sí que se deforma -ved la primera imagen de Don Bindo de esta entrada, que el cuadro me quedó algo tendido respecto a la cámara y la cara de don Bindo salió deformada -se nota bastante, comparada con el resto de fotos de la entrada)
      Ahora bien, dicho esto, es evidente que la mayoría de los mortales no somos maestros del dibujo y la pintura, por lo que seremos incapaces de distinguir si el retrato se hizo del natural o de una foto. Por eso Burdick y muchos otros aprovechan esta circunstancia para producir obras ‘vendibles’, supongo. Pero para hacer una obra de arte…ni se les ocurre, puedes estar seguro.

      • Raus dijo:

        Magnífica y completísima respuesta, Miguel. Caramba, sabes de todo. Es como para acomplejarse.
        Sí, es cierto. Yo solo soy un aficionado, pero sí he podido comprobar (cualquiera podrá) que la riqueza que ofrece la realidad al ojo humano es infinitamente más rica que la que puede registrar una triste y anodina cámara fotográfica.
        Muchas gracias, Miguel. Se hace patente tu enorme calidad humana en la generosidad de tus enseñanzas.
        (Postdata: Se me olvidó decir que Antonio6866 es el mismo que Raus (yo, claro)).

        • Yo también soy un aficionado y tampoco distingo del todo la diferencia en muchos casos…sólo que me parece que para un artista de verdad el tema debería ser obvio, no prestarse a discusión: sobrarían las explicaciones. Si las dan, es porque los no entendidos les piden retratos de fotos o no quieren posar, y como son los que pagan, deben explicarles por qué se niegan a la foto. Es que si no, no se comprende.
          En el caso de los restituidores, no es para acomplejarse, es que yo mismo he tenido que usar lo que se llaman bases ortográficas en mi trabajo, aunque hoy día, con las modernas técnicas GIS, están cada vez más en desuso.
          Gracias Raus…

          • Raus dijo:

            En lo referente a retratos, es obvio, como dices, que la fotografía no se acerca, ni de lejos, a la información que ofrece la realidad. Ahora bien, ¿qué hay en lo referente a pintar paisajes? Evidentemente, contendrá las mismas aberraciones ópticas que para el retrato, ¿pero no será, acaso, algo menos contraindicada la foto para hacer paisajes que para hacer retratos? Lo digo porque la foto no permite captar la psicología del retratado. En el caso del paisaje no hay este problema añadido. Aunque, eso sí, la preciosa sensación de profundidad, tan importante en el paisaje, desaparece en la foto. Lamentablemente, yo me veo obligado a hacer uso de la foto a menudo. En fin, ¿qué opinas?

            • Claro, es cierto, pero en el caso del paisaje el dibujo exacto no es tan importante…me refiero a que en el retrato hay que lograr parecido y ‘alma’, no así en el paisaje. Yo creo que ambas cosas tienen características muy diferentes. Supongo que en el paisaje, como bien dices, la profundidad y, yo añadiría, la luz, crean la atmósfera necesaria: da mucha más libertad interpretativa y expresiva, aunque hay retratos que desmentirían esto, pero creo que se entiende a qué me refiero. No veo tantos problemas para la foto del paisaje…Hay un video de R.Schmid donde empieza el cuadro de un paisaje pintando del natural -se ve que crea las condiciones lumínicas y de clave de valores y armonía de color-, y luego lo continúa en su estudio con una foto que toma in situ, haciendo una maravillosa interpretación de lo que ve: no pinta la foto sino lo que le hace sentir…lo recomiendo a todo el mundo.

              • Raus dijo:

                Exacto, a eso me refería. Aunque también el paisaje pierde mucho en la foto, no creo que sea tan grave como en el retrato. Y, bueno, supongo que los clásicos, cuando pintaban paisajes, también recurrirían mucho al trabajo en el estudio, a la memoria y, como dices, a la interpretación.

  8. antonio dijo:

    ¿Fotografia o retrato del natural? Yo suelo utilizar fotografias por cuestiones obvias, sin embargo cuando se ha dado el caso de que no conozco a la persona a retratar noto que estoy perdido, no tengo ningún referente y me cuesta mucho “meterme” en el retrato, me falta lo esencial, ¿qué veo yo en esa cara, esos ojos, …? Lo que falta es vida, y normalmente la foto no te da esas pistas. Naturalmente los retratos que hago son de simple aficionado. Cuando conoces a la persona y, si tú mismo has hecho las fotos, la cosa cambia.
    Un abrazo

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